Por Laura Moheyer
- LA MUESTRA, CONFORMADA POR 23 PIEZAS, ESTARÁ DISPONIBLE DEL 20 DE ABRIL AL 7 DE JULIO
- UBICADA EN PEDRO LUIS OGAZÓN 59, GUADALUPE INN, LAS VISITAS SE REALIZAN CON PREVIA CITA.
La galería de arte Baga 06 presenta su nueva exposición “Mátrika Shakti” del artista mexicano Francisco Esnayra, la cual estará disponbible a partir del 20 de abril al 7 de julio de 2023, en Pedro Luis Ogazón 59, Guadalupe Inn.
Con un total de 23 piezas, varias de ellas en gran formato, Esnayra busca reflejar la reinterpretación del “yo” a través de construcciones que se vuelven progresivamente más complejas.
Francisco explica que “dichas construcciones terminan por ser paisajes interiores que agreden los métodos de percepción, antes de que la mente surja y se disuelva en el vacío, mi Mátrika Shakti”.
Mátrika Shakti es una antigua enseñanza sobre la construcción del mundo y la súper imposiciónde la mente sobre la realidad. Enseñaba que de la nada surgen las vocales, de ahí las consonantes, para luego formar palabras, y de estas se manifiesten las frases, terminando con la creación del mundo o la idealización de él.
“En mi opinión, debido a su amplitud, no puedo ver una realidad totalitaria, ya que nos hemos ocupado de limitarla mediante el lenguaje, o más bien, el lenguaje nos ha permitido navegarla. De cualquier manera, mi realidad no es la realidad general. La realidad es y sucede, más allá de lo que opine acerca de ella. Pues la experimento y la vivo a través de mis emociones y sensaciones corporales, que se vuelven reinterpretaciones en mi pensamiento, generando mi propia versión de la realidad. Todo lo conozco en ideal”, comenta el escultor nacido en Chihuahua.
SOBRE EL ARTISTA
Francisco Esnayra nació en Chihuahua, México en 1985.
Asentado en la práctica de la escultura y dentro de ella, en la especificidad del retrato, Francisco Esnayra ha realizado diversos experimentos con materiales, dimensiones, y demás aspectos visuales. Funge como correlato de un peculiar viaje espiritual, de una búsqueda interna de verdades, de entendimientos y varios discernimientos. De igual modo, los gestos faciales de cada pieza (complementados por el resto de elementos en la composición) son testimonios de ciertos estados mentales.
El rostro que vemos es siempre el mismo, el de Esnayra, pero en realidad es el de nadie, y es el de todos. Desde máscaras mortuorias, cabezas meditando, hasta semblantes compungidos, en ellos la distorsión -ya sea de la expresión facial o de las determinadas proporciones- es presencia recurrente. Por momentos parecería que su obra explora, más que otra cosa, los aspectos negativos de la psique, pero la decadencia perceptible es solo parte del viaje al interior; también hay calma, ataraxia, consciencia iluminada.
SHOWROOM DE LA EXPOSICIÓN: En el siguiente enlace se muestran las fichas técnicas y costos de las obras que se encontrarán en la exhibición:
EVENTOS ADICIONALES:
Durante el tiempo de la exposición tendremos diversos eventos donde el artista realizará diversas actividades, las fechas serán confirmadas próximamente.
La exposición podrá ser visitada en grupos pequeños y bajo las medidas de higiene con previa cita y llenando el formulario:
Sobre los artistas…
Sala Nora Adame: Venus no soy.
“El ideal de belleza canónico no nació con las redes sociales. Ha estado en nuestras vidas desde el comienzo de la historia, pero jamás había tenido un altavoz como el social media. Internet ha bombardeado a las mujeres, elevando la presión por estar delgadas, tener la melena lustrosa o vestir con las últimas tendencias”.
En esta serie la reinterpretación del nacimiento de Venus invita a la reflexión sobre las muchas y distintas influencias de la historia del arte impuestas sobre la mujer, la moda, los cánones de belleza y su influencia sobre los roles actuales de la mujer contemporánea.
Nora Adame: artista que le gusta explorar con diversos materiales como piel, tela y plásticos industriales. Ha reelaborado diversas imágenes icónicas en la cultura pop como: Marilyn Monroe, El Che, Emiliano Zapata y una larga lista de personajes del siglo XX, que sin duda han tenido una importancia como figuras públicas y de representación.
Nora Adame es una artista plástica y diseñadora mexicana que se dedica a la producción artística desde 1995. Ha desarrollado una exploración plástico-textil, así como en la gestión y desarrollo de proyectos como la marca de bolsos Basbag (2010), hechos a partir de materiales reciclados, como piel, tela y plásticos industriales.
En 2012, funda el estudio NAO, un proyecto colaborativo con el artista mexicano Alejandro Osorio, que la ha llevado a exponer en las galerías del palacio municipal de Puebla, en la Galería NM Contemporáneo en Cuernavaca y recientemente en la Galería Lazcarro en la ciudad de Puebla.
Nora Adame inauguró en 2014, la Galería Mercado Negro, como un espacio de exhibición, venta y formación de coleccionistas, el cual ha generado diversas muestras especializadas.
Sala Musalán: Siempre fluyendo.
Desde el respeto de la esencia misma del cosmos que habita en todo y en todos, procuro en lo posible que mis acciones vayan encaminadas bajo la misma lógica superior que nos rige. Lo único constante en la vida es el cambio. Con cada nuevo despertar la forma de ver el mundo varía, porque sencillamente nosotros transmutamos, de ahí, que mi trabajo también experimente variaciones en la técnica, estilo y la conceptualización misma que refleja mi fluir como ser humano y pintor.
Musalán: artista colombiano cuyo trabajo ha ido en constante evolución entrelazando lo clásico con lo contemporáneo, maestro de diversas técnicas como el lápiz, carbón, acuarela, aceite y alquitrán.
Musalán nació en Barranquilla Atlántico, pero creció en Caucasia Antioquia, Colombia. Su trayectoria en las artes comenzó desde muy pequeño, lo que al crecer lo hizo trasladarse a la ciudad de Medellín e ingresar en el Instituto de Bellas Artes, donde recibió clases de Óscar Jaramillo, el cual ha servido de influencia en el artista.
Su obra ha estado en constante evolución pues Musalán es un estudioso de las texturas de los materiales y a lo largo de su carrera ha abarcado diversas técnicas como lápiz, carbón, acuarela, aceite y alquitrán. Su trabajo ha estado en constante evolución, entrelazando lo clásico con lo contemporáneo demostrando las múltiples formas de expresar su arte.
Actualmente reside en la Ciudad de México y nos muestra sus trabajos más recientes en la exposición colectiva Esencias.
Sala Miguel Milló: Lienzos latentes.
Mi estilo se diferencia de todo lo ya antes visto impactado la memoria sensorial: cuerpos desnudos los cuales llamo “lienzos latentes” son cubiertos en barro para borrar cualquier diferencia humana, identidad o estereotipo, luego sobre estas texturas explotan colores y splashes de pigmentos para finalmente adornar la figura con elementos que van desde plantas hasta objetos conceptuales y así crear una composición atractiva y sensual, mismo efecto que se traslada a mis collages. Mi filosofía “Todos estamos hechos del mismo barro” y “Quiéreme porque soy igual a ti, respétame porque pienso diferente a ti” plantea en mis piezas la igualdad del ser humano y el respeto a la mujer. Estar frente a una de mis obras, invita a la reflexión y muchas veces funge como un espejo del espectador sin mostrar su propia imagen.
Miguel Milló: construye imágenes utilizando a la figura femenina como lienzo. Mediante el uso de elementos que provienen de la naturaleza como el barro y las plantas, el artista busca rendirle un tributo a la mujer y apoyar la defensa de sus valores y derechos.
Miguel Milló nació en la ciudad de Tijuana, Baja California y desde muy joven ha tenido la inquietud por la creación artística y el lenguaje plástico.
A lo largo de su carrera, Miguel Milló ha sido expuesto en diferentes ciudades del mundo: CDMX, Los Ángeles, Nueva York, Miami, Sao Paulo, Manila, Taipei, entre otras.
Milló encuentra en la piel un lienzo que late, vive, respira y siente. Utiliza barro con pigmento, plantas naturales y luz, al terminar la pieza las captura en fotografía.
Sus obras tienen una gran carga emocional que enfrenta al espectador consigo mismo, lo invita a explorar en sus propios sentimientos.
Sala Herminia Álvarez: Pop tardío.
La esencia de mis obras radica en la experimentación, tanto de técnicas, como de soportes y estilos, recientemente me encuentro incursionando en el Arte Pop tardío, a través de la técnica del collage.
Soy amante del arte y de la vida, mi trabajo artístico refleja mis vivencias, recurro a la creación de piezas imponentes que reinterpretan mi percepción de las cosas, del tiempo y de mis emociones, busco inmortalizar aquellos elementos que pronto dejarán de existir como los trozos de papel a los que denominamos billetes.
La intención intrínseca de mi obra es interactuar con el espacio, absorberlo y transformarlo, para envolver al espectador mediante las combinaciones infinitas siendo la textura la protagonista que se integra con la mezcla de capas y trazos, los cuales antes de ser plasmados, habitan en mi mente como un collage de sensaciones constantes.
Herminia Álvarez: es amante del arte y la vida. La pintura es parte fundamental de su desarrollo creativo, le gusta experimentar con diferentes técnicas e ir en constante evolución.
Herminia Álvarez es una artista mexicana egresada en Diseño de interiores de la Universidad Motolinía. Cursó diversos diplomados en la Universidad de Birmingham, en Alabama, Estados Unidos.
A lo largo de su vida, la pintura ha sido una parte fundamental de su desarrollo creativo, ha experimentado con diferentes estilos, siendo el abstracto donde encontró su voz artística. Inició con la pintura de caballete, para después perfeccionar su propio estilo y plasmar obras de artes con varias técnicas. Recurre a los trazos instintivos, manipulando los materiales para revelar el beneficio de la textura durante su proceso creativo, otorgando profundidad a la composición.
La obra de Herminia Álvarez se encuentra presente en colecciones privadas y se caracteriza por el uso de la geometría y el color. Actualmente la artista se encuentra experimentando con una nueva propuesta, la cual estará presente en la exposición colectiva Esencias.
Sala David Guzmán: Introinspecciones.
Anhelos, deseos, utopías…
Dedico mi vida a la creación porque sueño con mundos mejores.
En la presente serie escultórica tomo como leitmotiv las horadaciones del material, metáfora de la introspección que considero necesaria para conectar con uno y por tanto con todo. Agrego además a estas perforaciones el ingrediente de la luminosidad que simbólicamente alude a ese sueño de que si tuviéramos la posibilidad de observarnos por dentro encontraríamos pura luz.
Complementario a este discurso escultórico expongo otra línea de investigación que es en el terreno de las dos dimensiones y alusivo a la figura humana, aunque, aparentemente opuesto, viene muy a colación con lo que menciono de la introspección debido a que considero mi actividad escultórica un proceso hacia afuera y la labor con el dibujo es un acto meditativo, un viaje hacia adentro.
Por último, y como un homenaje a todos esos artistas de la lente que me han regalado sus ojos, abro una ventana a mi intimidad y comparto momentos de plenitud espiritual.
David Guzmán: artista de formación autodidacta, conocedor del oficio, forjador de formas orgánicas, buscador de la perfección, constructor de irrealidades, David Guzmán es un artista que sostiene una profunda curiosidad por los materiales.
Nacido en la Ciudad de México, David Guzmán ha tenido exposiciones nacionales e internacionales, entre los acontecimientos más destacados fue su participación en Latin American Art Sotheby’s New York del 2012 al 2016 y la mención en el artículo de los 5 Artistas Latinoamericanos Que Debes De Conocer publicado por Artnet.
David Guzmán tiene profunda curiosidad por los materiales y ver como adoptan diversas formas, no importa si es piedra, metal u otra materia, sintiendo una profunda conexión con el acero inoxidable, con el cual el artista da rienda suelta a sus posibilidades y expresa su mundo interior.
Sala Armando Romero: Reflejos.
Esta serie está basada en la pintura del Barroco, donde el reflejo del espejo y del vidrio serían elementos primordiales. En el Barroco fueron utilizados como pretextos para bodegones, naturalezas muertas, paisajes y retratos. Haciendo referencia a las pinturas de Velázquez, el espejo de “Las Meninas”, “La Venus del espejo”, los reflejos de los vidrios de las ventanas de Vermeer, los bodegones de diferentes cacharros y botellas de vidrio como los utilizados por Pieter Claesz, Willem Claesz y Zurbarán.
Ahora el reflejo no es pintado, el reflejo eres tú, donde tú te vuelves espejo y reflejo.
Armando Romero: es un pintor neo ecléctico, combina sus versiones de pinturas históricas de artistas como Caravaggio, Rembrandt y Goya con imágenes contemporáneas irreverentes, que permiten la emoción y la libertad, por lo que se ha colocado al frente del Arte Mexicano.
Armando Romero es un pintor mexicano que estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, en la Ciudad de México. De 1991 a 1997, Romero dio clases de escultura, pintura e historia del arte en “La Esmeralda”. A su vez, de 1991 a 1993, el artista enseñó historia del arte, diseño y dibujo en el Centro Universitario de Estudios en Ciencias y Comunicaciones de la Ciudad de México.
En 1998, Romero representó a México en la exhibición de Artistas Emergentes de América Latina en la galería Passage de Retz en París, Francia, y en 2001 dio una conferencia sobre escultura y participó en el Programa Internacional de Estudios de la Fundación Nacional para el Avance en las Artes en el Estados Unidos.
